Texte 

Ausstellungseröffnung
Clara Stang – Das, was ist
Sonntag, 26. April 2026

„Wer bin ich denn?“ – fragt Alice, nachdem sie durch den Kaninchenbau gefallen ist. Eine einfache Frage, und doch eine, die sich im Verlauf von Alice's Adventures in Wonderland immer weiter verkompliziert. Identität gerät ins Rutschen,
Größenverhältnisse verschieben sich, Wahrnehmung wird unsicher.
In den Arbeiten von Clara Stang geht es um genau diese Verunsicherung: um das
Verhältnis von Innen und Außen, von Erscheinung und Empfinden, von dem, was
sichtbar ist – und dem, was verborgen bleibt.
Wir sehen Arbeiten aus den letzten zwei Jahren – und es fällt sofort auf: Diese Malerei besitzt eine große Klarheit, gerade weil sie sich dem Eindeutigen konsequent entzieht. Was uns begegnet, sind Gesichter, Figuren und Figurenkonstellationen – manchmal weiblich lesbar, manchmal geschlechtsneutral, oft bewusst uneindeutig. Sie treten uns nah gegenüber und bleiben doch auf Distanz. Ihre Konturen lösen sich an den Rändern
auf, und dennoch sind sie unübersehbar präsent.
Wenn man sich einzelnen Werken zuwendet, wird diese Spannung sehr konkret
erfahrbar. In „Schwestern“ (2026), „Verknotet“ (2026) oder „140x200“ (2025) etwa
stehen Figuren dicht beieinander, teilweise ineinander verschränkt, fast spiegelbildlich – und doch wirkt ihre Beziehung eigentümlich starr, beinahe eingefroren. Es geht hier nicht um erzählte Handlung, sondern um Beziehungen als Zustand: Nähe ohne Auflösung, Verbundenheit ohne eindeutige Klärung.
Immer wieder tauchen Gesichter als Masken auf. Sie wirken aufgesetzt, verschoben
oder verdeckt. In „Ophelia“ oder „Ophelia im Grünen“ (2025/26) etwa entsteht der
Eindruck einer Oberfläche, hinter der sich etwas anderes verbirgt. Diese maskenhafte Gesichter sind keine bloßen Verkleidungen – sie markieren eine Spannung zwischen äußerem Schein und innerer Tiefe, zwischen dem Wunsch, sichtbar zu sein, und dem gleichzeitigen Bedürfnis, sich zu entziehen. Der Titel „Ophelia“ ruft dabei Assoziationen an eine Figur zwischen Hingabe und Auflösung auf – ein Zustand, der auch hier weniger erzählt als vielmehr atmosphärisch präsent wird. Daneben treten in der Ausstellung auch andere erzählerische Referenzen auf: „Alice“, „Alice‘2“, „Im Wunderland“ oder auch „Rapunzel‘2“. Diese Titel öffnen Assoziationsräume, ohne sie festzuschreiben. Wie bei Alice im Wunderland geht es nicht um Illustration, sondern um ein Kippen der Wirklichkeit: um Perspektivverschiebungen, um das Gefühl, in eine andere Logik hineingezogen zu werden. Der „Hasenbau“ ist hier nicht nur Motiv, sondern beinahe ein Prinzip – ein Hineingeraten in innere Bildräume, in denen Maßstäbe und Sicherheiten außer Kraft gesetzt sind. Auffällig ist zudem, wie sich in vielen Figuren menschliche und animalische Züge überlagern. In „Hasenbau“ oder „Hobby Horsing“ verschieben sich die Körper ins Tierhafte, ohne ihre menschliche Lesbarkeit zu verlieren. Diese Übergänge sind leise gesetzt – und gerade dadurch wirksam: Das Vertraute wird irritiert, ohne sich ganz aufzulösen.
Ein zentraler Werkkomplex sind die lavierten Porträts. Hier verschmelzen die Gesichter regelrecht mit dem Malgrund. Die Farbe ist verdünnt, sie verläuft, sie lässt Formen ausfransen. Es entstehen Momentaufnahmen von Stimmungen – flüchtige Emotionen, die nicht fixiert, sondern eher im Verschwinden gezeigt werden. Man sieht kein abgeschlossenes Gesicht, sondern einen Zustand im Übergang. Diese Wirkung ist untrennbar mit der Maltechnik verbunden. Clara Stang, die bei Tatjana Doll studiert, arbeitet mit einer Farbigkeit, die zunächst weich und warm erscheint: lasierende Schichten, fließende Übergänge, ein beinahe atmosphärischer Farbauftrag. Doch diese Sanftheit wird immer wieder gebrochen. Plötzlich treten stärkere Kontraste auf, Linien verdichten sich, Formen werden klar herausgearbeitet. Gerade dieses Wechselspiel trägt die Bilder: Das Zarte kippt ins Konfrontative, das Ungefähre ins Präzise. Konturen lösen sich auf – und tauchen im nächsten Moment wieder auf. Das Bild bleibt in Bewegung, selbst dort, wo es still erscheint. Und genau darin wird die Ambivalenz dieser Figuren sichtbar: Sie sind weder ganz greifbar noch ganz entrückt.
In kleineren Formaten – etwa bei „Nasen kitzeln“, „Nasenspitze“ oder
„Schmetterlingskuss“ – rücken uns Gesichter besonders nah. Diese Antlitze haben
etwas Drängendes: Sie schauen, sie warten, sie scheinen sich an den Rand ihres eigenen Bildraums vorzutasten. Man könnte sagen: Sie blicken wie durch eine dünne Membran nach außen – und bleiben doch in ihren eigenen Körpern eingeschlossen.
Dieser Moment des Eingeschlossenseins zeigt sich auch in größeren Formaten. In „Kuss auf den Hinterkopf“ (2026) wird eine Geste der Nähe sichtbar – und zugleich entzogen, weil das Gesicht verborgen bleibt. In „Warten“ (2026) erscheint die Figur wie in sich selbst zurückgezogen, fast reglos, als wäre sie in einer Haltung erstarrt.
In Werken wie „Traumlandschaft“, „Träumen‘1“, „Träumen‘2“ oder „Traum und ich“
öffnet sich ein weiterer Raum – ein Zwischenbereich von Innerem und Äußerem, von Erinnerung und Imagination. Es geht hier um Sehnsüchte, um Projektionen, um innere Bilder, die keine festen Erzählungen anbieten, sondern selbst eine traumartige Wahrnehmung erzeugen. Der Ausstellungstitel „Das, was ist“ bekommt vor diesem Hintergrund eine eigentümliche Dringlichkeit. Er wirkt zunächst nüchtern, beinahe tautologisch – und öffnet zugleich ein Feld von Fragen: Was ist „das, was ist“? Ist es das Sichtbare? Das Gefühlte? Das Erinnerte? Oder gerade das, was sich einer eindeutigen Bestimmung entzieht?
Das, was wir hier sehen, bleibt bewusst in der Schwebe: Körper oder Hülle, Maske oder Gesicht, Moment oder Erinnerung.
Vielleicht liegt die Stärke von Clara Stangs Malerei genau darin, dass sie uns mit dieser Unsicherheit konfrontiert – mit dem eigenen Blick, mit dem eigenen Bedürfnis, festzulegen, zu erkennen, zu benennen. Und vielleicht ist es gerade dieses nackte, unverstellte Sein, das in vielen Figuren aufscheint – in ihren oft unbewegten, fast starren Haltungen –, das diese Bilder so eindringlich macht. Sie zeigen keine großen Gesten, sondern Zustände des Daseins:
verletzlich, suchend, manchmal verschlossen.
Clara Stangs Malerei gibt darauf keine Antworten. Und genau darin liegt ihre
Konsequenz: als eine Form des Sehens, die offen bleibt, die Ambivalenz nicht auflöst, sondern sichtbar macht und trägt. In einer Zeit, die oft nach Eindeutigkeit verlangt, bestehen diese Bilder auf dem Dazwischen, auf dem Unklaren, auf dem Prozesshaften. Sie fordern uns nicht auf, sofort zu verstehen, sondern genauer hinzusehen. Und vielleicht ist genau das ihre besondere Qualität: dass sie uns als Betrachtende nicht außen vor lässt, sondern in diese Schwebezustände hineinzieht – in eine Form von stiller, beinahe anonymer Intimität.